Rhétorique de la photographie
La photographie est un moyen de communication. Que vous communiquiez une histoire vraie, du journalisme, ou que vous ayez une intention artistique ou répondiez à un besoin commercial d'un client, une photographie sera toujours un moyen de communication.
De ce constat extrêmement simple se déduit une conséquence majeure dans la pratique photographique, le message de vos photos utilise une rhétorique.
Chaque photographie est un message
Avant d'étudier les différents moyens de mettre en pratique la rhétorique en photographie, observons l'effet de 3 types de légendes sur une même photographie :
La légende dite "technique" est en réalité une hérésie, elle ne dit rien de la photographie. Je vois trop de photographes rester sur ce premier niveau sans jamais pousser plus loin. À la limite on pourrait parler de technique de composition et du mouvement qui a amené cette photo, mais là encore ça ne donnera pas grand chose de consistant :
Non, toujours pas. Seule une légende digne de ce nom devrait accompagner cette photo.
Même caricatural, l'objectif de ce petit exercice est de montrer que la photographie est un message, et qu'une photo fonctionne toujours avec une légende.
Je vois déjà les commentaires qui ne manqueront pas de souligner que certains photographes partagent leurs photos sans légende, parce que leur photo se suffit à elle-même. Je suis le premier à ne pas toujours utiliser des légendes. Mais une photo sans légende contient dans son message ce que l'on connait du photographe dont on voit la photo. Même sans légende, un spectateur forme une représentation avec les informations dont il dispose.
Rhétorique de la photographie
En matière de rhétorique, définie comme "art du discours", rien de mieux n'a été conceptualisé depuis bien longtemps. En l'occurence par Aristote, dans son essai du même nom.
Aristote distingue 3 éléments fondamentaux en rhétorique : Logos, Ethos et Pathos.
Le Logos fait appel à la pure logique. Le message doit permettre à l'auditeur (pour nous le spectateur de la photo) de suivre une démonstration.
L'Ethos fait appel à l'autorité et la réputation. En photographie ce sera essentiellement amené par le contexte de la photographie, que ce soit un média, un roman, un post Instagram sponsorisé ou une exposition.
Le Pathos fait appel à l'émotion. En photographie il semble apparent qu'une photographie sans émotion n'aurait littéralement aucun sens. Néanmoins, certains types de photographies utilisent plus ou moins l'émotion en fonction de l'objectif de leur message.
Logos, Ethos et Pathos selon le type de photographie
Afin de mieux comprendre la rhétorique appliquée à la photographie, il me semble intéressant d'établir les différences entre 3 types de photographies. Chacune d'elles utilisera à la fois Logos, Ethos et Pathos, mais dans des proportions différentes selon l'objectif de leur message.
Dans le cas d'une photographie commerciale, l'objectif du message est la persuasion. Pour vendre, pour divertir ou pour démontrer, la photographie est au service d'un client qui communique auprès de ses propres clients. La photographie commerciale ou institutionnelle baigne dans le Logos. Une photo est ratée d'abord si elle ne sert pas l'objectif de communication du client.
Dans le cas d'une photographie destinée au journalisme, le message est une vérité. Cette vérité est subjective, elle se réfère au point de vue du photographe ou du média qui diffuse la photo, mais ce sera toujours une vérité. La photo doit montrer ce qui est, sans le transformer. Ainsi le photo-journalisme aurait pour valeur dominante dans son message l'Ethos. La réputation et l'autorité du média sont dominants sur le nom photographe dans la perception du message et donc de la photo. Dans le cas où le photographe n'est pas l'auteur de l'article ou de l'histoire, la qualité du journaliste qui complète le tandem peut être cruciale. Notons enfin qu'une grande part de l'Ethos vient de l'éditeur photo qui travaillera également au plus proche du photographe côté média.
Dans l'hypothèse, enfin, d'une photographie artistique, qui aurait pour objectif de présenter le message de son auteur. La rhétorique va être utilisée tant dans le contenu des photographies que dans le contexte : les légendes des photos, l'histoire racontée ou la manière de présenter les photographies. Une exposition ne présente pas le même contexte qu'un livre photo, c'est une évidence mais l'idée est ici de montrer que toute photo artistique sera accompagnée d'une histoire. Le message de la photo sera une partie de cette histoire. La photographie artistique aura, vous l'aurez compris, une valeur dominante dans le Pathos.
Encore une fois tout type de photographie fait appel à la logique, à l'autorité ou à l'émotion, simplement dans des valeurs dominantes différentes.
À titre d'exemple, prenons encore une même photo, légendée selon le Logos, l'Ethos ou le Pathos :
Cette photo aurait bien sûr pu vendre beaucoup d'autres choses.
Un message beaucoup plus classique, que j'ai utilisé dans le contexte d'une histoire pour un magazine de voyage : Serendipia by TravellerMade
Enfin un appel à l'émotion très personnel, que je suis susceptible d'utiliser dans une formation ou unworkshop. Il y aurait là aussi beaucoup d'autres manières de faire plus appel à l'émotion, en parlant du propriétaire, de la scène qui se déroulait ou de l'histoire des différents personnages présents sur cette photo.
Le contenu de cet article est issu du programme de formation à la photographie L'Étincelle.
3 obstacles à votre photographie
L'ennemi est bien souvent au creux de la poche, les internets mondiales et le web-deux-points-zero regorgent de contenus qui vous feront perdre votre temps, ou qui iront à l'encontre de vos progrès en photographie. Je suis le premier concerné par ces obstacles, plus souvent qu'à mon tour je me suis pris les pieds dans ces pièges à vieux loup de mer. Ça me gonfle d'être l'idiot qui se tait, alors dégommons, ça va me détendre et faire un peu de trafic.
1. Les vidéos de test matériel
Regarder des vidéos présentant du matériel photo n'aidera pas votre photographie, ça ne vous aidera qu'à vous renseigner sur vos futurs achats. C'est une évidence qu'il est toujours bon de rappeler, surtout parce que certains Youtubeurs sont pleins de second degré, comme Kai Wong qui est probablement le meilleur dans le domaine. Je me marre bien devant ses vidéos, mais à chaque fois j'ai l'impression d'avoir perdu 10 minutes sur Youtube. C'est bon enfant mais ça sert à rien.
Le danger peut venir de la chaîne "The Art of Photography" dont le contenu était initialement remarquable et qui a bifurqué vers les commentaires des sorties du dernier compact, reflex ou moyen format. Et pourtant certaines de ses vidéos les plus vues ne parlent pas de matériel, mais je suppose que nous devons tous trouver une méthode pour générer des revenus.
Je dois reconnaître, quand j'ai voulu acheter un appareil spécialisé dans la photographie de rue, le Ricoh GR, j'ai bien dû regarder toutes les vidéos disponibles sur les différentes versions du GR. En fait, nous sommes responsables de cette déviance de certains Youtubeurs. Acheter du matos, c'est grisant, ça fait du bien. La séquence qui s'en suit est logique : recherche > google > trafic pour ceux qui en parlent > recommandations de Youtube sur le matos. Répétez à l'envie, et l'envie peut venir souvent sur le matériel.
Non seulement nous entretenons ce cercle vicieux, mais en regardant les vidéos nous incitons les créateurs de contenu à continuer. Pour eux trafic égale revenu, même indirect. Là aussi je parle en connaissance de cause, il y a quelques années, avant d'être photographe, mon blog a pu financer ma vie dissolue, mes voyages et la chasse aux clients, uniquement parce que je faisais un peu de trafic. J'ai largement profité (financièrement) du système mais c'était clairement une impasse créative. J'ai fini par fermer mon blog parce qu'il ne corresondait plus à mes aspirations, j'ai pourtant encore une petite nostalgie sur quelques belles histoires que j'y avais raconté.
Bon, je crois que je m'égare un peu. Revenons à nous moutons galeux. Vous pouvez trouver plein de contenus passionnants pour votre photographie sur Youtube. Si vous débutez et explorez des techniques de prises de vue, en studio, en portrait ou quelque soit le genre, les "making of" et "behind the scenes" sont légion.
Si vous aimez la photographie de rue, passez plutôt du temps avec Joe Greer ou Samuel L. :
Joe Greer c'est un peu l'exemple inverse de The Art of Photography, il exploite une audience accumulée grâce à sa participation à une émission de TV pour partager des contenus très pertinents.
Et en français les meilleurs ne sont pas forcément les plus suivis. Richie et Thomas, c'est la nouvelle vague qui souffle un vent de fraîcheur sur le Youtube game :
Abonnez-vous aux producteurs de contenus qui vont dans le bon sens. Ça leur permettra peut-être de se professionnaliser, si tant est qu'ils en aient envie (rien n'est moins sûr).
En résumé, regardez des contenus qui aident votre photographie ou qui documentent le travail de photographes inspirants.
Cette remarque fonctionne avec tous les contenus qui commentent les accessoires, notamment les sacs photo. Le matériel est le principal ennemi de votre art, vous ne serez jamais un chef 3 étoiles en passant votre temps à comparer les casseroles. Les peintres, eux, n'ont pas ce problème, car les marchands de pinceaux n'ont pas de chaînes Youtube dédiées. #OHWAIT
2. Les concours payants
Les concours comme Lifeframer et LenseCulture sont redoutables dans leur marketing, et c'est bien ce qui les rend dangereux pour votre photographie. En leur accordant de l'importance, du temps ou de l'argent, vous payez un prix cher pour la promotion de vos travaux.
Ces concours sont jugés par des photographes, éditeurs, iconographes, galeristes ou curateurs de musées de grand talent, et promettent une exposition internationale, ce qui est incontestable. Mais bien sûr ce dernier point ne concerne que les vainqueurs.
Et avec plusieurs centaines de milliers de participants à 15$ la photo ou 50$ le projet, il est facile de voir que comme à Las Vegas, celui qui gagne le plus dans cette histoire c'est le casino, ici les organisateurs des concours.
D'autant que la communication agressive de Lifeframer ou Lenseculture, comme tous les ersatz qui pullulent sur le web, les rend incontournables. Vous tomberez forcément sur une de leur pub, et si vous espérez percer un peu en photographie au delà de vos proches, sans même parler de devenir professionnel, ces concours donneront forcément envie. Oui, ceux qui gagnent ont de bonnes chances de percer, mais à quel prix ?! Je suis convaincu que les projets des vainqueurs auraient percé d'une autre manière, sans avoir à jouer à la loterie.
Par ailleurs je me dois de parler ici des concours de clubs photo, repésentés par la Fédération Photographique de France. Là, les concours sont gratuits, mais se pose le problème fondamental des juges et des orientations artistiques qui sont données à ces concours.
À plusieurs reprises j'ai eu dans mes voyages-photo des membres de clubs photo. Certains étaient des photographes remarquables dont les clichés montraient une grande maîtrise et confiance en leur pratique. Mais j'ai également rencontré des personnes qui débutaient en photographie et qui se contraignaient en fonction de critères abracadabrantesques, purement techniques, voire farfelus. S'il vous plaît, choisissez bien en qui vous mettez votre confiance. La Fédération Photographique de France est certainement peuplée de brillants photographes, mais rien que le nom devrait mettre la puce à l'oreille. La photographie n'est pas un sport et ne peux absolument pas se juger comme tel. Imaginez 2 secondes une compétition de peinture et vous verrez le grotesque de la situation, si vous deviez être jugé par l'animateur du club de peinture du coin de la rue.
Pour approfondir, Thomas détaille bien la situation ici : Quittez votre club photo.
La photographie a pour moi 3 fonctions principales : renseigner, informer ou émouvoir. Si vous n'êtes pas photo-journaliste ou photographe commercial, la pratique artistique est la voie.
Quels sont les concours intéressants auxquels participer ? Ceux qui donnent accès à une bourse pour poursuivre un projet ou l'exposer, jugés par des personnes reconnues dans leur profession, et gratuits. C'est à ceux qui exposent vos photos de payer pour avoir le droit de les exploiter.
Pour trouver les bourses et prix intéressants, vous pouvez :
- suivre cette page de Polka,
- vous abonner à l'Oeil de la Photographie,
- ou encore 9 lives.
3. La chasse au likes
Le seul vrai ennemi de ma photographie, c'est mon ego. Celui-là même qui me donne des aspirations démesurées, des prétentions idiotes avec d'immenses photographes comme références, et me fait plonger dans la recherche de validation sociale sur Facebook, Instagram ou sur des plateformes qui paraissent plus expertes comme Flickr ou 500px.
Le nombre de likes qu'obtient une photo sur Instagram est beaucoup plus fonction de son marketing que de sa qualité intrinsèque : l'heure de publication, l'utilisation intelligente des hashtags en fonction de son audience participent grandement à la performance.
Tout le monde n'est pas photographe. Comme le dit si bien Joseph Koudelka : "tout le monde sait appuyer sur un bouton, ça ne fait pas de tout le monde un.e photographe". Vous ne pouvez décemment pas faire confiance aux résultats obtenus sur les réseaux sociaux pour évaluer vos progrès, ils indiqueront uniquement votre performance en marketing. Le marketing est sûrement important pour la photographie professionnelle, mais je préfèrerai toujours un talent ignoré aux photos de certains "instagrammeurs" les plus connu.
Les plus performants sur tous les réseaux sont souvent ceux qui ont été suggérés aux utilisateurs au début de la plateforme. J'ai eu la chance de l'être à un moment sur Twitter, je sais que ça n'amène bien souvent qu'une audience très éphémère. Quant à Instagram 80% viennent des lecteurs de mon ancien blog, le reste de mes passages télés lors de la promotion des villes désertes. Sinon j'ai la lucidité de reconnaître être une bille sur Instagram.
Pour se perfectionner, il faut pratiquer parfaitement
Pour conclure, je voudrais garder une note positive. J'ai écarté de cet article beaucoup de négativité, à commencer par le titre. J'avais commencé par chercher des impostures, mais ça m'amenait sur les stratégies SEO de photographes médiocres et je ne voudrais ni y consacrer du temps, ni leur envoyer du monde.
J'ai aussi écarté les presets Lightroom payants, ils peuvent être utiles mais les bonnes méthodes pour les créer sont très très rares... Enfin les logiciels de remplacement de ciel ne concernent pas la photographie mais le design numérique, s'il y a une frontière en retouche elle est dépassée ici depuis longtemps.
L'idée ici est de reconnaître que nous sommes notre principal obstacle à nos progrès, par la procrastination ou le gonflement de nos égos. Progresser en photographie est difficile, parce que cela demande une énergie et une volonté farouche. Le meilleur moyen de progresser, c'est de pratiquer en se demandant constamment comment devenir meilleur, ou en cherchant la pratique parfaite. La pratique parfaite n'est pas quantifiable par un réglage, par des spécifications techniques ou par des likes sur Instagram.
Pour se perfectionner, il faut s'entraîner parfaitement, comme l'explique très bien le magicien Richard Turner :
5 exercices pour débutants en photographie
Je ne connais pas de meilleur moyen pour progresser en photographie qu'un exercice que l'on se donne sur une courte période de temps. En voici 5 que vous pouvez réaliser dans le prochain mois, à raison d'1 par semaine.Je voulais commencer cet article par le plus commun des projets, le projet 365. C'est l'équivalent de la règle des tiers en composition : certains vous diront que c'est absurde, que ce n'est pas véritablement un projet, blablabla. Je vois surtout que c'est un excellent moyen de pratiquer différents genres en photographie, de chercher ce qui vous plait vraiment dans cet art, mais surtout c'est un des meilleurs moyens d'apprivoiser votre appareil. Et c'est tout l'objet des exercices que je vais vous proposer ici, mais l'essence même du projet 365 est qu'il dure un an, avec une photo publiée par jour qui a été produite le jour même.La photographie n'est pas exempte du besoin d'entrainement. Certains vous conseilleront d'aller vers la photographie argentique pour ralentir votre pratique et réfléchir à ce que vous faites, ce conseil est absurde. Si vous voulez faire de la photo argentique, faites de la photo argentique, mais cela n'a rien à voir avec le fait de progresser en photographie. Vous avez besoin de vous entrainer avec votre appareil, quel qu'il soit. Et pour moi le meilleur conseil serait : réalisez 10 000 clichés différents aussi vite que vous le pouvez. Attention je parle bien de réaliser des photos, de travailler votre oeil et votre composition, pas de déclencher en rafale ;)Si vous voulez devenir gymnaste, vous aurez besoin d'entrainement. Si vous voulez avoir un peu de tenue sur un parcours de Golf, vous aurez besoin d'entrainement. Si vous voulez jouer de la guitare, vous aurez besoin d'entrainement. La photographie est strictement identique de ce point de vue : si vous voulez devenir photographe, vous aurez besoin de ne plus avoir à penser à votre appareil photo, pour qu'il soit une extension de votre oeil, de votre cerveau et de votre coeur - vous aurez besoin de développer un arsenal de compositions. Et pour ça, vous aurez besoin d'entrainement.Je ne connais pas de meilleur entrainement qu'un prétexte pour vous retrouver en situation de commande : vous avez "besoin de faire cette photo" parce qu'elle fait partie d'un exercice, d'un entrainement. Je n'ai jamais autant progressé que lorsque j'ai commencé à avoir des clients, la commande et l'obligation de sortir des clichés qui répondent à un besoin d'un client m'ont poussé à devenir meilleur. Si vous débutez en photographie, commencez par être votre premier client : vous voulez réaliser de meilleures photos. Pour ça : VOUS AVEZ BESOIN D'ENTRAINEMENT !Alors entrainons-nous mes bons ! Et amusons nous à mener à bien ces exercices, peut être que vous y prendrez plus de plaisir qu'à lire ces énoncés :)
Fast & Jpeg
Retournez à la racine de la photographie : l'instantané ! Evitez d'avoir à penser au développement, au fichier RAW qui passe dans un logiciel et que vous fignolez pendant des heures. La photo est un plaisir avant toute chose et entrainez-vous à la composition sans avoir à penser à la technique :
- Choisissez un mode de prise de vue semi automatique A, S ou P
- Choisissez un format de fichier Jpeg seul sur votre boitier
- Définissez un mode créatif depuis le menu de votre boitier : une pellicule ou noir et blanc. N'hésitez pas à modifier le style créatif de manière assez radicale pour avoir une série de photo qui sorte de l'ordinaire. Personnellement je choisis de temps en temps un noir et blanc très contrasté.
- Passez deux heures autour de chez vous ou de là où vous êtes en essayant de construire un "arsenal de compositions". Je vous en ai proposé 9, mais il pourrait y en avoir beaucoup d'autres, choisissez des compositions qui vous ressemblent.
- Essayez d'obtenir une photo "forte", "intéressante", voire "fascinante" dans chacune des compositions que vous avez choisies, mais toujours avez le même style.
- Ne développez pas les photos, choisissez les meilleures sans aucune modification.
- Publiez la série sur vos réseaux sociaux sans aucun commentaire et observez lesquelles ont le plus de "succès".
7 kilomètres à pied
Je pratique cet exercice partout où je passe plus de 7 jours, c'est particulièrement efficace en vacances. Mais ce projet est vraiment fascinant si vous le faites autour de chez vous, dans un endroit qui vous est extrêmement familier. Vous serez surpris de ce que vous pourrez découvrir simplement en sortant de chez vous.
- Partez dans une nouvelle direction chaque jour, toujours avec le même point de départ
- Si vous avez l'impression de n'avoir que deux routes, prenez à travers champ à partir du 3ème jour
- Marchez 1 kilomètre, puis revenez. Cela devrait vous prendre 1/2heure si vous êtes pressé, 1h si vous prenez le temps de penser à votre composition
- Regardez les détails, les répétitions, les textures. Changez d'angle, n'hésitez pas à expérimenter.
- Et surtout observez tout ce que vous ne prenez pas le temps de voir habituellement.
- Profitez-en pour aller rencontrer ceux que vous croisez et réalisez quelques portraits.
- Ne gardez qu'une photo par jour.
C'est quoi ce bordel ?
Probablement l'exercice le plus curieux pour ceux qui vivent avec vous. Mais vous êtes un.e artiste, vous n'avez pas à vous justifier !
- En utilisant uniquement des objets du quotidien présents chez vous, fabriquez une installation qui permette de tester une grande loi de la Physique.
- La gravité de Newton, le principe d'Archimède, la troisième loi de Lambert en photométrie, la relativité d'Einstein, ou toute autre loi physique que vous trouvez fascinante.
- Photographiez cette expérience.
- L'expérience n'a qu'une valeur d'illustration et n'a pas besoin d'être scientifiquement valide (je vous vois venir hein).
- Préparez des excuses énoncées sur un ton péremptoire : "c'est pour les besoins de ma vie d'artiste !"
Et tu fais quoi dans la vie ?
Les meilleures histoires sont sur le pas de votre porte. Vous aurez besoin de reconnaitre à un moment ou un autre qu'en photographie vous devez aborder des inconnus. Et que ça se passe généralement très bien.
- Sonnez chez votre voisin et présentez-vous.
- Demandez-lui si vous pouvez le suivre jusqu'à son travail dans les jours qui viennent.
- Réalisez un reportage pendant 2 heures.
- D'autres autorisations sont susceptibles d'être requises. Mais maintenant que vous y êtes.
- Bien sûr partagez vos photos avez l'entreprise concernée s'ils en font la demande.
Je m'arrête là pour une semaine de photo. Mais vous pourriez continuer avec le voisin suivant et initier un projet ;)
Bonjour Madame, Bonjour Monsieur !
Les photos sont d'abord des objets physiques qui existent pour être partagés !
- Placez vous au coin d'une rue passante, ou à un endroit qui est relativement fréquenté
- Dites bonjour à tous ceux que vous croisez.
- A ceux qui s'arrêtent ou à ceux qui vous intéressent le plus, proposez-leur de réaliser leur portrait.
- Editez, développez, imprimez la meilleure photo de chacune des séances de portrait
- Exactement 7 jours plus tard à la même heure, retournez au même endroit et tendez les photos à ceux qui vous reconnaissent. Et profitez-en pour réaliser de nouveaux portraits hein ;)
7 poncifs sur la photographie
Certains conseils en photographie sont vus et revus. Creusons un peu et essayons de garder la substance de ces poncifs de la photographie.
1. Ce n'est pas le matériel qui compte, c'est le photographe
C'est très vrai, l'appareil photo n'est qu'un outil créatif, je crois le répéter à longueur de temps. Vous devez reconnaître que si vous pratiquez la photographie, vous pratiquez une forme d'art visuel et le ou la peintre sera toujours plus important que le pinceau, le ou la chef(fe) sera toujours plus important que sa casserole.
Mais si vous débutez en photographie, pendant un certain temps l'appareil sera tout pour vous, car vous aurez tellement à en apprendre. Bon j'ai essayé dans ce livre de vous montrer que ce n'était pas si compliqué, mais il y a tellement de détails techniques ou de pratiques avancées que je n'ai pas abordé ! Il est facile avec le temps de rester enfermé dans la technique et de ne jamais pousser les limites de son art. Je suis le premier concerné, croyez-bien que j'en ai conscience. Et je crois que tout photographe qui avance dans sa pratique comprend vite que l'appareil ne l'aidera pas à réaliser de meilleures photos, qu'il en est le seul responsable.
Internet est tellement rempli d'analyses techniques, les fabricants nous vantent tellement les innovations de leur dernier boitier qu'il peut devenir facile de s'y complaire et d'oublier ce qui constitue le meilleur outil d'un photographe : ses chaussures. Choisissez des chaussures confortables, qui vous permettront de marcher longtemps et loin. Vous verrez plus, vous chercherez plus, vous vous trouverez mieux.
Enfin force est de reconnaître que pour réaliser certains types de photographie, un matériel sera meilleur qu'un autre. En photographie de rue, vous apprécierez la discrétion et la légèreté, mais pour le paysage vous investirez probablement dans un trépied et un porte-filtre, ainsi que dans une optique grand angle, si le sport ou les oiseaux sont vos sujets principaux vous aurez besoin d'une bonne rafale et d'un téléobjectif, peut-être même que vous préférerez avoir un capteur APS-C qui multipliera encore un peu plus votre focale, si vous voulez être portraitiste vous voudrez probablement tester un bon 85mm, juste pour voir. L'appareil photo ne fait pas tout, mais selon le photographe que vous voulez être, vous aurez besoin de mieux comprendre le matériel, c'est bien naturel.
2. Le meilleur appareil est celui que vous avez avec vous
Cette phrase m'a marqué quand j'ai débuté la photographie de rue. A chaque fois que je n'avais pas un appareil avec moi j'étais frustré de ne pouvoir pratiquer. Ici encore cette phrase pourrait vous faire penser que le meilleur matériel photographique est forcément léger et tout le temps avec vous. Encore une fois cette phrase a du sens pour un ou une débutant(e), c'est un bon moyen d'inciter à progresser que de vous dire d'avoir toujours un appareil avec vous.
Et c'est aussi un rappel que vous n'avez probablement pas besoin de changer d'appareil photo pour pouvoir faire ce que vous voulez, quasiment tous les boitiers actuels permettent de pratiquer tous les genres photographiques, ne vous arrêtez pas à cause de votre matériel.
Mais cela ne veut pas dire que le meilleur appareil photo est votre téléphone. Certains photographes sont brillants avec leur téléphone, mais ceux que vous aimez et suivez sur Instagram ? Ils n'utilisent probablement pas leur téléphone pour produire leurs photos.
3. Si votre photo n'est pas assez bonne, c'est que vous n'êtes pas assez près
Cette fameuse phrase est attribuée Robert Capa, que j'espère il n'est pas nécessaire de présenter longuement, étant l'un des photographes de presse et de guerre les plus renommés. Cette phrase est devenue un poncif qui ne s'applique malheureusement pas à tout. C'est souvent vrai en photographie de rue, en reportage ou en photographie documentaire, c'était certainement très vrai pour Capa et le métier qu'il pratiquait. Pour le reste, ça dépend.
Ce conseil est à retenir si vous souhaitez explorer la photographie de voyage ou la photographie de rue, car plus souvent que le contraire un photographe débutant aura peur de s'approcher. Et cette phrase est un très bon mantra si vous débutez en photographie.
4. Zoomez avec les pieds
Encore une fois c'est un conseil que je suis susceptible de donner en photographie de rue, je pense qu'il est préférable d'apprendre à voir avec une seule focale plutôt que de se perdre dans les limbes du zoom. Ainsi le seul moyen de zoomer serait avec les pieds, en s'approchant.
Mais ce serait écarter les innombrables photos que je n'aurais jamais pu faire sans zoom, notamment en voyage quand le sujet que vous avez vu est simplement trop loin, ou quand il est tout bonnement impossible de s'avancer.
5. Evitez la mi journée, préférez l'heure d'or ou l'heure bleue
J'ai rarement vu un conseil plus stupide. Oui l'heure qui précède le coucher du soleil ou qui succède le lever sera plus douce, plus équilibrée, peut être plus agréable à l'oeil pour le portrait ou le paysage. Mais cela voudrait dire de simplement s'arrêter 10 heures par jour ? Non, la lumière de la mi journée est plus dure et plus contrastée et je trouve cela formidable. Vous devrez simplement adapter votre pratique pour la maîtriser et réaliser des photos différentes, mais s'il vous plait ne vous contraignez pas à cette idiotie de croire que la lumière est vraiment meilleure à certains moments. Elle est différente et puis c'est tout.
L'heure bleue serait le seul moment valable pour le paysage urbain ? Je la trouve classique, vue et revue. Et je suis bien heureux d'avoir choisi pour mes villes désertes le moment où il n'y avait personne, pas en fonction d'une heure bleue violette ou rouge.
Dans tous mes workshops, j'aime rappeler qu'il n'y a pas de mauvaise météo, il n'y a que ce que vous en faites.
6. La règle des tiers
Oui bon je sais je vous en ai parlé en introduction de mes 10 règles de composition. Mais je vais renommer cet article. Ce ne sont pas des règles, ce sont des outils qui doivent vous aider à progresser en composition.
Vous noterez d'ailleurs que dans mon article sur la composition la règle des tiers est parfois incompatible avec une autre règle, comme la symétrie. Vous remarquerez également que certainement photos combinent plusieurs règles de composition.
S'il y a bien un poncif sur la composition, c'est la règle des tiers. Mais c'est utile pour un débutant de comprendre qu'il est souvent préférable de ne pas mettre son sujet au centre. C'est aussi une règle qui doit vous apprendre à regarder votre cadre jusque dans les coins. Mais passé l'initiation à la photographie, la règle des tiers devient presque accessoire.
Encore une fois, c'est un outil et pas une règle.
7. Achetez des livres, pas du matériel
Vous voyez où je veux en venir ? Je me répète mais sans matériel, pas de photo. C'est certainement un excellent conseil de vous dire de vous constituer une bibliothèque de livres-photo, c'est un bon moyen de progresser que d'analyser le travail de grands photographes.
Mais une optique va vous couter un minimum de 400€, et si vous me disiez de remplacer les 4 optiques que j'utilise le plus par + de 2000€ de livres-photo, je vous rirais au nez.
Achetez des livres pour progresser, oui c'est sûr. Mais achetez aussi des expériences, des voyages, et un peu de matos pour prendre des photos.
JPEG vs RAW - Le mini-guide du développement numérique
Nous voici dans la phase la plus délicate pour cette série d'articles (et le livre dans lequel ils seront regroupés) : le développement.
C'est une partie importante pour le temps que nous sommes susceptibles d'y passer en photographie. J'ai pour habitude de dire que le temps de développement et de traitement d'une série de photos est équivalent au temps de prise de vue. Mais c'est probablement encore plus pour un débutant, qui a une phase d'apprentissage importante sur la partie logicielle de ce processus. Parce que je n'ai jamais utilisé d'autre logiciel qu'Adobe Lightroom, toutes les captures seront ici issues de Lightroom. Mais tous les principes expliqués ici seront valables avec les nombreux autres logiciels disponibles sur le marché.
Est-il obligatoire de 'shooter en RAW' ?
Si vous avez compris cette phrase c'est que vous n'êtes pas vraiment débutant :)
Je me dois d'expliquer ici la différence entre les 2 types de fichiers que vous serez à choisir sur votre appareil photo numérique : les fichiers .jpeg (ou .jpg) et les fichiers dits "RAW" (pour Brut en anglais).
Ce qu'il me semble important de savoir est qu'un fichier .jpeg sera un fichier avec une compression logicielle, ce qui aura 2 conséquences :
les fichiers seront plus 'légers', vous pourrez donc prendre plus de clichés sur une même carte mémoire, et vous pourrez les transmettre plus rapidement
les fichiers auront déjà intégré un 'profil colorimétrique' que vous pouvez changer sur votre boitier
Du côté du fichier RAW, il me semble important de savoir quand on débute que ce fichier est celui qui contient le plus d'information, là aussi avec 2 conséquences majeures :
les fichiers auront nettement plus d'information, ils prendront une place conséquente dépendant de la résolution du capteur de votre boitier. Sans rentrer dans les détails de la compression Jpeg, on évalue généralement la quantité d'information compressée à 40% du fichier 'RAW'.
40% c'est conséquent, en shootant en RAW vous aurez beaucoup plus de latitude au développement numérique. Cette latitude dépendra de la photo car la compression Jpeg sera effective avant tout sur les valeurs d'exposition 'sombres'. Mais sur le principe en shootant en RAW vous aurez aussi le loisir de mieux 'récupérer' des ombres si c'est nécessaire à votre développement.
J'ai bien essayé ici de ne pas dévaloriser une méthode par rapport à l'autre. Je trouve intéressant, notamment lorsque l'on débute, de shooter en JPEG pour ne pas avoir à trop se préoccuper du développement et pour être plus attentif à son exposition, puisque vous pourrez moins la corriger si elle est ratée. Shooter en JPEG présente également l'avantage d'avoir une cohérence graphique sur une série de photo qui auront toutes le même profil colorimétrique (vous pouvez l'ajuster selon votre goût).
Enfin pour terminer sur ce sujet (franchement barbant), je remarque souvent lors des voyages photos que j'accompagne que beaucoup de photographes ne savent pas qu'un fichier RAW n'intègre pas de profil colorimétrique. C'est pour cette raison que l'application d'un profil colorimétrique est pour moi une des étapes les plus importantes du développement. C'est aussi pour cette raison que les fichiers RAW peuvent paraître "fades" lors de l'importation dans votre bibliothèque.
Développement numérique en 5 étapes
Cette séquence de développement n'est bien sûr absolument pas une règle ou une méthode rigide, c'est simplement celle que j'ai affiné au fil du temps et je la partage simplement pour en expliquer quelques principes et essayer de faire gagner un peu de temps à un(e) débutant(e) :
1. Appliquer un profil colorimétrique
Comme je vous le disais, cette étape est souvent ignorée par des photographes débutants, c'est celle que j'applique en premier. Depuis quelques versions de Lightroom, l'explorateurs de profils colorimétrique a été remonté par Adobe dans le module de Développement, et je ne peux que me réjouir de cette décision de changement de l'ergonomie.
Dans l'explorateur de profils, vous trouverez différents profils colorimétriques d'Adobe classés par style. Notez que vous trouverez également l'ensemble des profils colorimétriques de base issus de votre appareil photo si vous shootez en RAW. En effet l'ensemble des profils est inclut dans chaque fichier !
Bien sûr si vous shootez en Jpeg, vous n'aurez pas la possibilité de le modifier.
En pratique je passe rarement dans le module de développement dès le début d'une session de développement. J'applique un pré-réglage ou 'preset' à toute une sélection de photo depuis le module 'Bibliothèque' afin de gagner du temps, ce pré-réglage contient un profil colorimétrique. Généralement j'applique ce pré-réglage à la 2ème étape de mon processus d'édition, à toutes les photos que j'ai noté 1* (voir l'article 'Mini-guide de l'édition').
2. Développement rapide
L'intérêt principal d'un logiciel comme Lightroom est pour moi de pouvoir appliquer les mêmes réglages en lot, à un groupe de photographies. La plupart du temps je reste dans le module 'Bibliothèque' où j'édite mes séries de photos pour éviter de répéter les mêmes actions fastidieuses sur toutes les photos.
Cela commence par les réglages basiques d'exposition où j'utilise parfois le bouton de Lightroom 'Exposition automatique'. Attention je ne voudrais pas suggérer l'utilisation de cette fonction de manière systématique, très souvent je n'en ai pas besoin mais cela peut aussi donner un bon point de départ de manière très rapide. Pour ce bouton 'exposition auto' je remarque notamment en paysage une tendance à surexposer, mais il m'est très facile de corriger cela, toujours depuis le module 'Bibliothèque' qui donne accès à des modifications basiques de l'exposition.
Toujours pour essayer d'être le plus efficace possible dans mon développement, je vais utiliser depuis le module bibliothèque la synchronisation de réglages sur plusieurs photos. Le procédé est le suivant j'applique un réglage individuel sur une photo, puis dans le module 'Bibliothèque' je la sélectionne en premier puis je sélectionne toutes les photos que je souhaite synchroniser. Cette fonction est très utile pour appliquer des réglages d'exposition identiques sur une série de photos prises au même moment / endroit avec les mêmes réglages. Je l'utilise également notamment pour appliquer des profils de corrections d'optiques, mais cela peut être utile pour tout !
La touche de raccourci "Pomme-Shift S" ou "Alt-Shift S" sur PC est celle que j'utilise le plus dans cette première étape.
3. Recadrage
J'aimerais vous dire que je ne recadre jamais mes photos mais ce serait mentir. J'apprécie l'approche puriste des grands maîtres, mais je n'ai pas de problème fondamental à rogner une image, notamment en photographie de rue lorsqu'une scène passe très vite, si ce n'est pas dans de trop grandes proportions (dont je vous laisserai seul juge :) ). La touche de raccourci pour passer directement à l'outil de recadrage est la lettre 'R' sur votre clavier.
4. Correction de défauts
Mon étape suivante est d'ajuster les petits défauts d'une photo. Cela arrive notamment en paysage si j'ai quelques poussières qui trainent sur mon optique. Mais cela peut aussi concerner quelque détails sur une photo que je juge inutiles ou qui viennent en perturber sa lecture. Je ne suis pas photo-journaliste et n'ai pas de problème de déontologie de ce côté là, j'essaye de rendre une photo la meilleure possible.
L'outil de correction des défauts est accessible avec la touche 'Q' de votre clavier.
5. Ajustement de l'exposition et des couleurs
Je termine enfin par l'ajustement précis de l'exposition. L'outil principal à cette étape est l'histogramme qui reste affiché en haut du module d'exposition. Il serait impossible ici de décrire un procédé qui s'applique à toutes les photos, cela dépendra évidemment du style de développement que vous souhaiterez explorer.
Il me semble intéressant ici de noter que l'histogramme d'une photo n'est qu'un outil que vous pourrez aussi utiliser créativement selon ce que vous souhaitez explorer. L'histogramme est en réalité la manière dont votre boitier ou votre logiciel comprend la photo qui se présente à lui : uniquement avec des pixels. Votre appareil photo ou votre logiciel ne sait pas ce que vous photographiez, c'est pour cette raison que les modes automatiques (de votre appareil ou de votre logiciel de développement) sont si souvent à côté de la plaque, ils appliquent toujours le même principe en essayant d'étirer votre histogramme pour qu'il soit équilibré. Je ne connais pas de bon ou de mauvais histogramme, c'est un outil, une aide pour exposer votre photo ou pour faciliter votre développement.
Avant - Après
Je sais bien qu'il y aurait des millions de choses à dire ou préciser sur le développement ou sur Lightroom. J'ai essayé ici de donner quelques clés pour aider un débutant en photographie, mais je vous renvoie à la littérature pléthorique ou tutoriels (pour nombre d'entre eux gratuits sur le site d'Adobe ou sur Youtube) qui existent sur ces sujets si vous souhaitez approfondir.
Voici le avant-après pour cette photo pris dans le quartier du Pelourinho la semaine dernière :
4 erreurs de débutants vraiment faciles à corriger
Je vous rappelle que ce livre et cette série d'articles sont destinés à des débutants. Et si vous débutez vous ferez certainement ces erreurs, jusqu'à ce qu'on vous le dise. Essayons de vous faire gagner un peu de temps.
La photo floue
Plusieurs raisons peuvent être à l'origine d'une photo floue :
Vous bougez trop au moment du déclenchement.
Vitesse trop lente, notamment avec un télé objectif - voir le mini-guide de la vitesse.
Ouverture trop grande, et donc profondeur de champ trop courte. L'ouverture est le meilleur moyen de contrôler votre profondeur de champ, si cette profondeur de champ est trop courte cela peut rendre floue une grande partie de votre image - voir le mini-guide de l'ouverture.
Mise au point ratée. Si vous débutez sélectionnez un mode de mise au point AF-S (Autofocus Single Shot) et non AF-C (continu), sélectionnez une plage de mise au point au centre de votre viseur, et pratiquez la séquence de mouvements :
mise au point
maintien de la mise au point
recadrage
déclenchement
Un horizon doit être droit, la plupart du temps
Parce que c'est comme ça que nous voyons, et une photographie est le plus souvent une interprétation du réel. Un horizon avec un léger décalage ruine une image.
Comment faire quand l'horizon n'est pas évident dans votre image ? Utilisez le niveau de votre appareil, ou regardez les verticales. Si ce qui doit être droit est de travers, c'est que votre niveau et votre horizon ne sont ajustés.
Le cadrage paresseux
Votre sujet est-il évident ? Si vous avez une multitude de sujets sur une scène sans que l'on comprenne le rapport entre eux, ou si votre sujet ne prend pas assez de place, vous courrez le risque que votre photo ne soit pas comprise. Une photo doit être claire vis à vis de son sujet.
Question à se poser : est-ce que tous les éléments qui composent la photo sont utiles à la photo ? à ce que vous essayez d'exprimer ?
Dans la plupart des cas cela voudra dire que vous devez vous rapprocher, remplir votre cadre ou isolez votre sujet d'un environnement qui prend trop de place et perturbe la lecture. À l'inverse, zoomer de manière excessive peut donner à votre photo un manque de contexte.
Pour débuter en composition photographique, je vous invite à relire cet article : 10 techniques de composition.
Développement extrême
Trop de filtres, trop de clarté, trop de saturation, pour certains le néant créatif du HDR. D'une manière générale je crois que l'excès dans le développement attire l'attention sur la technique et plus sur votre sujet.
J'ai rencontré un photographe en Espagne qui m'annonçait fièrement "je mets tous les curseurs au max". Je suis franchement opposé à cette démarche et quand un curseur dépasse 20 sur Lightroom je doute vraiment de moi.
À l'inverse j'ai vu des développements que j'aurais jugés excessifs devenir un style. Si c'est une intention créative cela peut devenir une innovation, une originalité, mais si vous débutez c'est plus certainement une impasse créative et une faiblesse que de vouloir accentuer des effets. N'essayez pas de rattraper une composition ratée par un excès d'effets.
Je ne suis pas un numéro ! - Le mini-guide de l'ouverture
Si vous débutez en photographie, vous ne pouvez pas faire l'impasse sur l'apprentissage de la pure technique. Voici le premier "mini-guide" de ce livre (ou série d'articles si vous le lisez sur mon blog), une section courte pour apprendre l'essentiel sur un élément technique.L'ouverture est un des éléments du triangle d'exposition, représentée sur votre appareil par l'unité F.
L'ouverture F = f/D
Dans ce schéma D est le diamètre de votre optique, qui laisse passer une certaine quantité de lumière, 'petit f' représente la distance entre votre optique et votre capteur numérique (ou votre pellicule en argentique). Notez que le symbole représentant le capteur numérique et présent sur une majorité d'appareils photo, probablement aussi sur le votre.La quantité de lumière que laissera passer votre optique dépend de son diamètre. Puisqu'il est le dénominateur de la fraction F, on comprend facilement que :
plus l'unité d'ouverture F est faible, plus vous aurez de lumière
plus le chiffre F est petit, plus l'ouverture est grande (oui je sais c'est la même phrase :) )
Le contrôle de l'ouverture sur votre appareil photo correspond au contrôle du diaphragme qui vous permettra de réduire le diamètre de votre optique, ou au contraire de l'augmenter dans les limites de sa capacité.Ainsi chaque optique a une capacité à l'ouverture plus ou moins grande. C'est d'ailleurs marqué dessus, voyez comme la vie est bien faite.
Pour vous entrainer à contrôler l'ouverture de votre appareil photo, le meilleur moyen est de passer en mode semi-automatique 'priorité à l'ouverture' sur votre molette de réglage du mode de prise vues. Le mode 'priorité à l'ouverture' signifie que vous allez pouvoir modifier l'ouverture avec votre molette de réglages, la vitesse sera adaptée automatiquement par votre appareil en fonction de la quantité de lumière disponible.
Je ne suis pas un numéro !
Oui bon d'accord, c'est bien joli tout ça mais pensez bien s'il vous plait que rien ne sert de se gloser d'une optique à grande ouverture. L'ouverture, comme chaque élément technique qui vous sera présenté, n'est qu' UN OUTIL CRÉATIF. Voyons donc comment se servir créativement de l'ouverture.L'ouverture a une fonction créative principale qui est le contrôle de la profondeur de champ.
En réalité la profondeur de champ dépend de 3 paramètres : la distance avec votre sujet, la focale que vous utilisez et donc l'ouverture. Mais le seul de ces trois paramètres que vous contrôlez à un instant T, avec une optique et une distance à votre sujet données, c'est l'ouverture.Classiquement le contrôle de la profondeur de champ est utile dans 2 grandes pratiques en photographie : le portrait et le paysage
En portrait on peut souhaiter réduire la profondeur de champ pour isoler son sujet de son environnement, sur votre appareil cela signifie utiliser une "grande" ouverture, avec une unité F4.0 ou inférieure.
En paysage, on souhaite souvent avoir une très longue profondeur de champ. Il est ainsi souvent souhaitable de "fermer" à F8, F11 ou F16.
Notez que ce sont pas des règles mais des manières classiques de réaliser des portraits ou paysages, l'ouverture n'est qu'un outil créatif et vous pouvez l'utiliser à contre-couillons. Il existe quantité de portraits qui sont réalisés à F11, de paysages à F2.8, et de photographes brillants qui expriment leur créativité sans se préoccuper de l'ouverture.L'ouverture sera parfois une contrainte dans votre triangle d'exposition, vous aurez besoin "d'ouvrir" pour avoir suffisamment de lumière et exposer convenablement votre photo.
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Le meilleur outil que vous pouvez emmener avec vous
Quel est votre outil préféré, celui que vous emmenez partout avec vous ? Est-ce un petit appareil photo qui tient dans une poche ? un chiffon précieux pour nettoyer votre objectif ? Un porte carte ? Ils sont sans importance, un seul outil compte vraiment en photographie : votre créativité.Dans ma vie précédente j'avais la chance de voyager fréquemment à New York pour mes affaires. Pendant 4 ans je m'y rendais 3 fois par an au moins pour coordonner l'organisation d'un événement. Je passais chaque jour dans des bureaux, en rendez-vous avec des partenaires, des clients, des fournisseurs. Et quand venait le soir, ma seconde vie commençait. J'avais mon appareil photo au fond de mon sac avec une optique en plus, je visitais un nouveau quartier de New York par jour pendant 1h30 avant de trouver un endroit pour diner.Après quelques années d'exploration sans réelle maîtrise de ce que je produisais comme photos, j'ai eu envie de franchir un cap dans ma photographie. Je tombais fréquemment sur une offre de cours particuliers à New York d'initiation à la photographie documentaire, à la construction d'une narration dans sa photographie. Cela me semblait être un excellent début pour franchir ce cap.Me voici donc un samedi midi, après ma semaine de travail, me dirigeant vers ce cours que j'attends avec impatience, décidé à franchir un cap dans ma photographie. Nous avions rendez-vous dans un café au coeur du Chelsea Market, le soleil d'août chauffait le bitume et rendait le ciel presque blanc, mon sac était prêt, mes deux glorieuses optiques bien rangées, mes batteries pleines et mes cartes SD vides.
Saisissez l'inattendu
Après 5 minutes d'introduction de ma professeure, je compris que je m'étais trompé de cours. De photographie il n'était pas question, j'avais à faire à une enseignante en journalisme et en fiction, j'étais à un cours d'écriture.Ma première réaction a été de vouloir lui dire, de lui signifier leur erreur ou la mienne dans mon inscription. Mais je partais le lendemain de New York et je vis également que je ne pourrai pas suivre le cours que je souhaitais avant 3 mois. Je n'ai rien dit, je me suis dit que ce ne pourrait que m'être bénéfique. Je crois que c'est une des meilleures décisions que j'ai prises pour ma photographie.Pendant cette après-midi le long de la High-Line, j'ai appris à observer mon environnement et à le décrire tout simplement. J'ai découvert un monde que je ne soupçonnais pas, simplement en ouvrant mes yeux, en écoutant quelques conversations et en renseignant mon carnet de tout ce qui m'entourait.Je pourrais vous dire que ce carnet d'écriture est l'outil le plus important, que je l'emmène partout avec moi et que vous pourriez en faire autant. Mais en réalité l'outil le plus important, celui qui fera toujours une différence, c'est ma créativité.C'est ce que j'ai appris ce jour là en sortant de ma zone de confort. J'ai saisi cette opportunité de voir différemment, d'apprendre à raconter, de commencer à écouter avant de photographier. Evidemment j'ai pris quelques photos pendant notre exploration de la High Line, elles sont sans importance du point de vue de ma créativité, mais elles représentent pour moi ce moment décisif ou j'apprenais à écouter, à observer et à tenir le journal, écrit ou visuel, de ce qui m'entoure.3 mois plus tard je quittais ce travail que j'aimais tant avec la ferme intention de faire de la photographie ma vie. Et je garde toujours en mémoire cet après-midi ou je compris que le meilleur outil, celui que j'emmène partout avec moi, je l'avais déjà et n'avait qu'à le cultiver.—VA est un programme de 25 articles qui a pour objectif d’enseigner à un(e) photographe débutant à prendre de grandes photos. Rien que ça 🙂
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Ces articles et le livre dans lequel ils seront regroupés sont en libre accès. Mais si vous voulez m'encourager et m'offrir le café : cliquez ici.
VA - Lettre à un(e) jeune photographe
La photographie n'est pas un amas de pixels ou une émulsion. Une photographie est un voyage dans le temps, un souvenir, une mémoire, une information, un savoir, une invention, un choix, un instant volé, un moment à la sauvette, un tableau. Une photographie est une vérité.
Je ne crois pas pouvoir vous enseigner quoi que ce soit. Si vous lisez ces lignes c'est que vous avez déjà envie, et c'est le signe le plus encourageant pour votre apprentissage.
Une fois que vous aurez compris les 3 réglages que vous pouvez utiliser sur un appareil photo, j'espère que vous réaliserez que l'appareil n'a aucune importance et que vous commencerez dès que possible à travailler votre composition. C'est à dire que vous travaillerez votre regard.
La photographie vous apprendra à voir. La lumière, le mouvement, les détails, les lignes, les yeux, les mains. La photographie vous apprendra à anticiper une scène, vous verrez la photo avant qu'elle n'arrive. Ce micro voyage dans le temps est extrêmement satisfaisant, mais il s'accompagne d'un bonheur encore plus grand.
Vous verrez des photos partout. Un contraste étonnant, une douceur du matin, un geste que vous ne connaissiez pas, une matière que vous pourrez figer ou filer, un petit bout de tissu sur le parvis d'une église, une perspective qui s'accélère quand vous serez à genoux, une architecture étonnante, un oeil âgé et vif, un sourire en coin de résignation, une manipulation pour lever les voiles. Tous ces moments vous appartiennent.
Mais si vous êtes photographe, vous voudrez aussi les montrer. Choisissez ce que vous montrez avec exigence, soyez dur avec vous-même. On ne peut pas être vraiment satisfait de son travail si on veut progresser. 60% ça me parait bien : une grande zone de progression et juste au dessus de la moyenne pour pouvoir montrer vos photos.
Ne faites confiance à personne concernant vos photos. Les seuls commentaires que vous recevrez seront positifs, ne les croyez pas. On ne sait jamais à quel point on est un mauvais photographe tant qu'on a pas progressé. Faire une belle photo est facile.
Chaque photo a une histoire et chaque photo est une histoire. Ne négligez pas vos légendes, aucune photo n'existe sans légende. Vous serez plus souvent l'écrivain d'une photo faite. Nous sommes trop souvent des paresseux de la légende. Si vous voulez raconter l'histoire, il vous faudra dire où et qui, mais aussi quand et comment, et surtout pourquoi. Pourquoi avez-vous pris cette photo ? Pourquoi serait-elle importante pour quelqu'un d'autre que vous ?
Si vous me permettez cette familiarité, cher(e) ami(e), je vais vous tutoyer. Il n'y a vraiment qu'un seul conseil que tu devrais entendre : VA.
VA faire cette photo qui t'obsède
VA chercher un instant sans importance dans la rue en bas de chez toi
VA dans une nouvelle direction chaque jour
VA voir avec un oeil nouveau ce qui est familier
VA rencontrer ces inconnus, ils sont toujours plus amicaux
VA demander la permission, mais seulement après avoir pris la photo
VA prendre ces 100 000 photos qui te permettront d'oublier la technique
VA raconter cette histoire que toi seul connait
VA trouver une vérité, ta vérité, sur ce qui t'entoure
Si tu n'es pas là, tu ne verras pas. C'est aussi simple que cela : sois là. Sors de chez toi. Le seul moyen de progresser, c'est d'y aller.
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VA - Lettre à un.e jeune photographe
est un livre / ebook de 174 pages au format PDF, disponible sur le modèle “Payez ce que vous voulez”.
5 chapitres :
Ne regardez pas, composez
Apprenez la technique pour ne plus y penser
Sortez de chez vous - Initiation à la photographie de rue
Éditez avec exigence
Apprenez à voir
7 Raisons d'apprendre la photographie avec un professionnel dès maintenant
Mon premier cours de photographie est en ligne ( https://www.udemy.com/formation-photographie-genaro-bardy/?couponCode=BRDY29 ) , il est prêt depuis hier soir et je n'en reviens pas. Nous avons tourné ce cours au mois de janvier et il a fallu du temps avec nos agendas chargés pour pouvoir enfin le proposer à tout le monde.Alors sans attendre, voici 7 raisons de suivre ce cours d'initiation à la photographie :
Posséder un appareil photo (compact, bridge, réflex) ou même un smartphone de dernière génération c'est bien, mais ce n'est pas la casserole qui fait la cuisine et ce n'est pas l'appareil qui prend la photo ;))
Toute personne souhaitant prendre de meilleures photos a des possibilité de le faire gratuitement sur Youtube. Ce cours est organisé par étapes, avec ce qui est essentiel du point de vue d'un professionnel de la formation. J'enseigne la photographie en voyage photo avec Photographes du Monde
Créer des jolis souvenirs avec des snaps, rien de plus facile. Composer une photographie est un art dont les principes peuvent s'acquérir facilement
Vous apprendrez à bien choisir un appareil photo, ou une casserole mais ce serait moins pratique
Vous me suivrez en situation pour des exercices pratiques que vous pouvez reproduire n'importe où.
Nous avons tourné ces vidéos en hiver, me voir en gants écharpe et doudoune au mois d'août ça n'a pas de prix.
Le prix de lancement est exceptionnellement à 29€ en exclusivité pour les lecteurs de ce blog. Et Twitter ;)
Pour accéder à la formation sur Udemy, c'est par là : https://www.udemy.com/formation-photographie-genaro-bardy/?couponCode=BRDY29