5 leçons de photographie avec Henri Cartier-Bresson
Henri Cartier-Bresson est un photographe légendaire, photojournaliste et dessinateur français. Connu pour la précision et le graphisme de ses compositions, il s'est surtout illustré dans la photographie de rue, la photographie documentaire et la représentation des aspects particuliers ou signifiants de la vie quotidienne. Avec Robert Capa, David Seymour, William Vandivert et George Rodger, ils fondent en 1947 l'agence coopérative Magnum Photos.
C’est probablement le photographe le plus mondialement connu, il a inspiré des générations de grands photographes. Je ne crois pas avoir étudié un photographe qui ne le cite comme référence. Henri Cartier-Bresson est le grand maître des grands maîtres, et je n’ai probablement pas besoin d’en dire beaucoup plus.
Je n’ai pas pour objectif de vous présenter le travail ou l’histoire d’Henri Cartier Bresson. Simplement, je vous propose 5 citations d’Henri Cartier Bresson, parfois très connues, commentées. J’ai décidé de scinder cet article en deux, et après le premier sur la composition, voici le second avec des considérations plus générales sur la pratique de la photographie.
5 leçons de photographie avec Henri Cartier Bresson
Aligner la tête, l’œil et le cœur
« Photographier, c’est reconnaître – simultanément et en une fraction de seconde – à la fois le fait lui-même et l’organisation rigoureuse des formes perçues visuellement qui lui donne sens.
Photographier c’est mettre sur la même ligne de mire la tête, l’œil et le cœur. »
Photographier, c’est d’abord et surtout mettre ce que l’on voit dans un cadre, et cela a des conséquences. Henri Cartier-Bresson dit ici parfaitement que photographier, c’est d’abord reconnaître le fait lui-même. J’ai vu quelque chose qui m’intéresse, pour des raisons personnelles.
Et, au même moment, je sais reconnaître ce que ça va donner quand c’est mis dans un cadre, ce que Henri Cartier Bresson appelle l’organisation rigoureuse des formes : quels éléments ? quel positionnement dans le cadre ? comment le cadre est structuré ?
Au même moment, ce que j’ai vu qui m’intéresse correspond à un cadre structuré et organisé. Ce cadre visuel ou cette forme “donne sens” au fait, à ce que j’ai vu. Parce que chacun verra des faits différents (la tête) ou trouvera une esthétique (l’oeil) dans des structures de cadre différentes, tout cela s’aligne avec le cœur, et devient personnel.
2. Le choc émotionnel
« Si il n’y a pas d’émotion, si il n’y a pas de choc, si on ne réagit pas à la sensibilité, on ne doit pas prendre une photo, c’est la photo qui nous prend. »
Je suis partagé par rapport à cette fameuse citation de Henri Cartier Bresson. En premier lieu, c’est une réalité indéniable, certains moments s’alignent parfaitement et parfois je sais que j’ai une photo remarquable à la prise de vue, quand je déclenche. Ainsi, c’est cette photo exceptionnelle qui me prend, qui m’aspire vers elle.
Et en même temps, je suis gêné avec ce bout de phrase : “on ne doit pas prendre une photo”. Pour moi, cela concerne uniquement les photographes qui ont beaucoup d’expérience et qui savent reconnaître quand un déclenchement n’est pas nécessaire. Pendant longtemps, en tout cas pour la phase d’apprentissage, je pense que l’essai permanent est plus utile. Je crois qu’il est nécessaire de beaucoup voire trop déclencher pour essayer des choses, gagner en expérience, pour “voir ce que ça donne en photo” comme le dirait Garry Winogrand.
La pratique de la photographie est une recherche d’une photo exceptionnelle, c’est une succession d’échecs, de tentatives. Évidemment, la volonté de déclencher répond à une sensibilité, une émotion du photographe. On photographie des faits ou des personnes qui nous sont importants, ou du moins qui répondent à une curiosité. Mais, s’il vous plait n’attendez pas que le choc d’une seule photo vous fasse déclencher, ou alors vous ne gagnerez jamais l’expérience de ces milliers de photos qui fonctionnent moins bien.
3. Faire rentrer la photo dans sa vie
« Pour moi, l’appareil photo est un carnet de croquis, un instrument d’intuition et de spontanéité, le maître de l’instant qui, en termes visuels, interroge et décide simultanément. »
Deux aspects que je trouve fondamentaux dans cette phrase d’Henri Cartier Bresson : le carnet de croquis et cette double identité d’une photo qui interroge et décide.
La photographie est un carnet de croquis, un journal de bord visuel de ce que l’on vit. Il me semble important de faire rentrer la photographie dans sa vie, dans son quotidien, et d’arrêter cette tendance que l’on peut avoir de ne photographier que ce que l’on croit être exceptionnel. Les bonnes photographies, il y en a partout et tout le temps, surtout dans le banal et le quotidien, surtout là où on ne regarde plus parce que ça nous est trop familier. Apprendre à être présent dans son environnement quotidien permet de découvrir des photos que l’on ne soupçonnait pas, tous ces moments que l’on disqualifie parce qu’on les a trop vus.
Faire rentrer la photo dans sa vie est aussi un moyen pour tout de suite produire un gros volume de photos qui vous feront progresser, si vous prenez le temps de l’analyse et de l’édition.
Enfin, une photo est un maître de l’instant qui interroge et décide en même temps. Une photographie interroge parce que le cadre exclut des éléments, et souvent les éléments que l’on ne peut pas voir dans une photo, que l’on devine parce qu’ils sont hors champ ou suggérés par le sujet de la photo, sont les éléments qui donnent toute la profondeur à une photo. J’aime une photo qui pose une question plutôt que celle qui y répond. Et en même temps, une photographie est une décision, surtout celle du photographe, de voir et montrer un sujet et une manière de le représenter visuellement.
4. Respecter le sujet
« Pour « donner un sens » au monde, il faut se sentir impliqué dans ce que l’on cadre dans le viseur. Cette attitude demande de la concentration, de la discipline, de la sensibilité et un sens de la géométrie – c’est par une grande économie de moyens que l’on parvient à la simplicité d’expression. Il faut toujours photographier dans le plus grand respect du sujet et de soi-même. »
J’aime particulièrement cette phrase d’Henri Cartier-Bresson. La photographie est d’abord une démarche personnelle, intime. C’est un rapport au monde que l’on propose en lui donnant sens. Il faut se sentir impliqué dans ce que l’on photographie. Pour moi, on doit savoir pourquoi est-ce que l’on photographie, ou au moins pourquoi est-ce que l’on montre ses photos.
La photographie est une sensibilité ET la photographie est une discipline, rigoureuse, ce sens de la géométrie et du cadre formel. Enfin la photographie est une concentration, on ne peut pas bien photographier juste en passant, à part les touristes qui ne nous concernent pas ici. C’est une présence que l’on appelle aussi “entrer dans la zone”. C’est une totale concentration vers le monde qui nous entoure, pour chercher une photo.
Enfin, Henri Cartier Bresson explique que la qualité extrême d’une photo est sa simplicité d’expression. Quand une photo est simple à lire, évidente à comprendre, son message n’en est que plus clair. Une bonne photo, c’est quand il n’y a plus rien à enlever.
5. L’arrêt esthétique
« Photographier, c’est retenir son souffle quand toutes les facultés convergent face à une réalité fuyante. C’est à ce moment-là que la maîtrise d’une image devient une grande joie physique et intellectuelle. »
Henri Cartier-Bresson retient son souffle à la prise de vue, cela m’emmène vers cet autre moment où l’on retient son souffle : devant une photo exceptionnelle, qui nous touche particulièrement. Cette relation très spéciale que l’on peut nouer avec une photo, la sienne ou celle d’un autre, ou même avec toute oeuvre d’art, est appelée par James Joyce “l’arrêt esthétique”. Dans mes recherches, j’ai trouvé ce commentaire de Rudolf Steiner qui décrit bien l’arrêt esthétique et les différentes fonctions d’une oeuvre d’art :
"Les arts ont cette mission très spéciale et sérieuse de nous engager sur trois fronts. L'art pornographique (qui ne signifie rien de sexuel dans ce cas) fait appel à notre volonté, à travers nos sentiments, tandis que l'art didactique fait appel à notre pensée à travers nos sentiments. Ce sont des formes d'art qui vont trop loin dans la direction du métabolisme ou de l'expérience de la volonté, d'une part, et trop loin dans le sens nerveux ou le processus de pensée, d'autre part, et qui ne résonnent pas pleinement dans le domaine du rythme et de la sensation, où l'on peut se sentir bien. Une épiphanie, comme l'appelait Joyce, dans le calme du cœur peut avoir lieu - ce que l'on appelle l'arrêt esthétique".
Ainsi, la joie physique d’Henri Cartier-Bresson relève pour moi de la volonté, alors que la joie intellectuelle relève de la pensée. Et, parfois, une photo combine les deux, et nous emmène vers une épiphanie, une photo qui nous fait retenir notre souffle. La carrière d’Henri Cartier Bresson nous a fourni quantité de photos, toutes plus exceptionnelles les unes que les autres.
